La Gioconda ( Da Vinci )

La Gioconda

Obra de Da Vinci

Fecha ( 1503-1506 )

La Gioconda es el cuadro más famoso hoy en día. Al ser tan famoso a sufrido varios robos, le han rociado ácido y hasta le han tirado una piedra en el museo del Louvre. En 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde estaba protegida del calor, la humedad y el vandalismo. 

Parece ser que la protagonista del cuadro es Lisa Gherardini, una dama florentina casada con Francesco del Giocondo, banquero napolitano. No obstante se dicen otras posibilidades sobre quién es la protagonista del cuadro. Hay quien dice que es la española Constanza de Ávalos, y arriesgándose aún más hay quien afirma que el retratado es Francesco del Giocondo o incluso el propio Leonardo.

Una peculiaridad de la dama que aparece en el cuadro es que no tiene cejas ni pestañas. Aunque hoy en día nos extrañe, era una costumbre común entre las damas florentinas de la época, depilarse todo el vello de la cara. 

Es la última gran obra de Leonardo y de hecho estuvo retocándola hasta sus últimos días, llevándole cuatro años completar el proyecto. Se sabe que perteneció a el rey Francisco I de Francia y más tarde a Napoleón sin pertenecer en ningún momento a la familia Giocondo.

Se dice que mientras Leonardo pintaba este cuadro siempre había alguien cantando, tocando música o contándole una historia y que de esa manera consiguió la expresión placentera en el rostro de la Gioconda. 

La combinación de la "perspectiva aérea" y de la técnica del "sfumato" consiguen una estupenda sensación tridimensional y de profundidad. 
Esto es lo que hace de la Gioconda un magnífico cuadro.

Técnica del Sfumato

El sfumato es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía además de dar una impresión de profundidad en los cuadros. 

Los investigadores han determinado la composición y el grosor de las capas de pintura en la cara de La Mona Lisa, así como en otras  seis pinturas de Leonardo en el Louvre. Philippe Walter y sus amigos en el Centro de Investigación han descubierto que Leonardo logró una capa de esmalte marrón casi transparente encima del sonrosado de la mejillas de La Gioconda. Este esmalte marrón es un pigmento terroso de óxido de hierro oscurecido con óxido de manganeso. Estos materiales fueron muy utilizados en el Renacimiento, pero el control del espesor de la capa de pigmento que logró Leonardo es excepcional y hace de este un espectacular pintor y de su cuadro una maravillosa obra de arte.

La Piedad de Miguel Ángel

La Piedad

Obra de Miguel Ángel

Fecha ( 1498-1499 )

La Piedad es una escultura realizada en mármol por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Se encuentra en la Basílica de San Pedro en el Vaticano. La figura representa a María de forma joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues y a la vez sostiene a su hijo ( Jesucristo ) muerto y que aparenta mayor edad que su Madre. La juventud de María es muestra del idealismo renacentista. 

La obra fue encargada por el cardenal francés Jean Bilhères, al que Miguel Ángel conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del cardenal en la capilla de Santa Petronila del Vaticano. 

Se puede ver el conjunto armonioso que el autor quiere representar en la figura. Los ejes del cuerpo de Jesús  se contraponen a los pliegues curvos de el vestido de María. Se puede ver que el brazo derecho de Jesús está completamente inerte al contrario que el de su madre que está lleno de vida esto es lo que hace de esta escultura una obra de arte.   

El Vaticano

El Vaticano ( Roma )

Fecha ( 1943-1945 )

El Estado denominado Ciudad del Vaticano es, con sus 0,44 km2 de superficie y sus 1000 habitantes, el país más pequeño y poblado del mundo. Es considerado Sede de la religión católica, gracias a esto recibe constantemente la visita de miles católicos y turistas deseosos de admirar toda la riqueza artística que contiene.
Se encuentra dentro de la zona urbana de la ciudad de Roma, con la que tiene 4 km de frontera. 

El Vaticano nació a raíz del Pacto de Letrán, firmado por Pío XII y Benito Mussolini el 11 de febrero de 1929. Con este pacto entre la Iglesia Católica y el gobierno italiano se dio por terminada la disputa con Italia que existía desde 1870. El acuerdo estableció la creación de este minúsculo estado independiente que garantizaba la autonomía total de la Iglesia.
El jefe del Estado es el Papa, elegido por un grupo de cardenales y de los ingresos económicos provenientes de donaciones de fieles, de las entradas a sus museos y ventas de sus publicaciones. 

El Vaticano posee una estación ferroviaria y su propia estación de radio. Está rodeado por una muralla, siendo la Plaza San Pedro su conexión con Roma y el corazón del Vaticano. 

Dentro de sus murallas el Palacio del Vaticano, contiene la Capilla Sixtina, la Basílica de San Pedro y los Jardines del Vaticano, en los cuales trabajaron numerosos artistas, a quienes debemos toda la riqueza cultural que podemos admirar en el Vaticano.

Moisés de Miguel Ángel

Moisés de Miguel Ángel

Obra de Miguel Ángel

Fecha ( 1505-1516 )

El Moisés es una escultura renacentista del siglo XVI. Pertenece a la etapa del Cinquecento. 

Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, que se encuentra en la iglesia de San Pedro en Víncoli. La figura representa un tema bíblico, el profeta Moisés, al regresar de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, llevando bajo el brazo las Tablas de la Ley para mostrarselas a los israelitas, este contempla horrorizado como estos han abandonado el culto de Jahvé  y están adorando al Becerro de Oro. 
El tema representado hay que situarlo en una narración más extensa que abarcaría desde la vida de Moisés y el cautiverio del pueblo hebrero en Egipto, hasta que éste los conduce a la Tierra Prometida (Palestina). Moisés nunca llegará a ver la tierra prometida por Jahvé, pero conducirá a su pueblo desde el cautiverio hasta la liberación. 
El modelado de la figura es perfecto. Hasta hay distintas historias que cuentan que Miguel Ángel al terminar la obra, la miró y dijo : " levantate y anda ". Al ver que había echo una obra maestra, este, le dio un pequeño golpe en la rodilla para que ya no fuera perfecto. El estudio anatómico muestra un naturalismo asombroso. El mármol blanco pulido deja ver las diferentes tonalidades de la luz. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, donde los contrastes de luces y sombras que provocan las profundas oquedades en el mármol, otorgan a la figura el volumen. 
En esta escultura podemos ver las características del estilo renacentista: 
Búsqueda de la belleza ideal, el naturalismo, el interés por la figura humana y su anatomía. Al igual que en la Antigüedad clásica, se crean composiciones equilibradas, armoniosas etc. Todas estas características han de ser matizadas según la naturaleza de la obra y el autor del que se trate, ya que Miguel Ángel es,  un caso excepcional por la calidad de sus obras y la evolución de sus obras que ofrece en su larga vida.

David de Miguel Ángel

David de Miguel Ángel

Obra de Miguel Ángel

Fecha ( 1501-1504 )

Con esta escultura de más de 4 metros, Miguel Ángel, superó todo el legado de la escultura y labró su fama en la cima de la escultura del Renacimiento. Al principio esta magnífica obra estaba destinada a decorar la fachada de la catedral florentina, pero hubo un inconveniente y se tuvo que trasladar al palacio de la Señoría. Miguel Ángel representa al David como un atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida. El aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura es el de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.

Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza del  David. 

Dichos rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza  y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra.

Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del David en un símbolo de la libertad y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina. Todo conduce al concepto de terribilitá que caracteriza en otras obras el autor. 

Miguel Ángel concluye la elaboración de esta escultura en 1504, cuando tenia 29 años de edad. Unos años antes había ya realizado la Piedad del Vaticano, en la que los rasgos de la terribilitá no eran aún perceptibles. Se da a entender que la escultura del David cuenta con el concepto que tenia Miguel Ángel. 

El pueblo de Florencia la consideró como monumento al triunfo de la democracia sobre el poderío de los Médici.

 

Uno de los rasgos más característicos del David es la expectacion de su mirada hacia algo que va más allá del público.

Baldaquino de San Pietro ( Bernini )

Baldaquino de Bernini

Obra de Bernini

Fecha ( 1650-1700 )

La amplia cultura humanística y el interés por las artes de Urbano VIII, crearon entre ellos una larga amistad. El papa, por su parte, se aseguró la exclusiva profesional del artista, al que confiaría las empresas, oficiales o familiares, más ilustres y relevantes de su pontificado. El monopolio barberiniano sobre Bernini fue exclusivo y excluyente, tanto que, desde 1623, todo comitente que quisiera sus servicios, debía obtener primero el permiso de Urbano VIII. El retrato de Sir Thomas Baker, un cortesano inglés, fue interrumpido por orden pontificia y tuvo que ser acabado por sus ayudantes. La influencia de Bernini sobre el papa y los suyos era tal que sin su aprobación ningún artista podía conseguir comisiones oficiales o encargos de los Barberini.En 1624, Bernini recibió el primer encargo oficial: el Baldaquino de San Pietro, esta vez  la Basílica volvía a concentrar el interés de un papa, deseoso de sistematizar la zona de su altar mayor, verdadero nudo arquitectónico y simbólico del templo. Su ejecución consumió nueve años de trabajo, generando muchos problemas. Uno de ellos fue el de la provisión de los materiales, que Bernini, resolvió expoliando todo el bronce del Panteón, lo que suscitó numerosas críticas, entre ellas las del médico papal G. Mancini, culto coleccionista y experto en pintura. Otro problema fue la ubicación de la estructura definitiva que sustituiría a la provisional erigida sobre el altar mayor, un lugar caracterizado arquitectónicamente. Bernini, fundiendo la espectacularidad de la obra interina y la revocación de la pergula constantiniana, concibió una máquina estupefaciente transportando sus dimensiones a la escala monumental del gigantesco ámbito del crucero basilical. Bernini superó las soluciones convencionales de los baldaquinos realizados como obras arquitectónicas con forma de templo, diseñando una estructura dinámica que se dice que es al mismo tiempo arquitectura, escultura y decoración. Quiso repetir en las columnas la forma de aquellas torcidas de la antigua pergula columnaria con balaustrada que, desde el siglo IV y que se creían procedentes del Templo de Salomón, con las que se aseguraba la continuidad ideal del Cristianismo. El Baldaquino, por su dinámica estructura transparente y sus gigantescas dimensiones, deja libre la visión del estático ambiente arquitectónico atrae así las miradas y las dirige después hacia el espacio circundante y  a su vez por el color oscuro y dorado del bronce, que crea un atractivo contraste con el blanco de los pilares que sostienen la cúpula, con cuya rectitud contienden los fustes contorneados de sus columnas. Tan perfecta es la ilusión de ser una estructura en movimiento, que las gualdrapas del remate parece que las zarandea el aire.  

Botticelli, un gran pintor

Botticelli, Sandro

País de origen Italia

Fecha ( 1444-1510 )

Sandro Botticelli es el sobrenombre con el que es conocido Alessandro di Mariano Filipepi, pintor, dibujante y grabador italiano del Renacimiento. Era el menor de cuatro hijos de Mariano Filipepi, curtidor, quien deseaba que el joven Sandro  aprendiera el mismo oficio y continuara el negocio. Pero la inclinación que demostró hacia el arte, obligó a su padre a dedicarle a un oficio más en corcondancia con las aficiones del niño. Su vida tuvo poco relieve, comparada con la de sus grandes contemporáneos. Invitado a pintar en la Capilla Sixtina, conoció a Leonardo de Vinci en el taller de Verrochio y quedó influido por Girolamo Savonarola. Los sermones de este monje benedictino, que predicaba contra las obras de arte pagano y defendia la utilización del arte como instrumento teológico, hicieron hincapié en Botticelli. Hasta tal punto que llegó a quemar algunas de sus obras paganas. 

Fue a partir de entonces cuando la obra de Botticelli sufrió un cambio radical: abandonó definitivamente los temas mitológicos y se dedicó a la producción de obras de contenido religioso. Según palabras de Salomón Reinach, Botticelli realzaba con el color el "trémolo" continuo y contagioso de sus líneas. Cuando su labor es tan admirable como en La Primavera de la Academia de Florencia, ofrece la más perfecta expresión de lo humano. Sus cuadros religiosos, fluidos y algo sensuales, se distinguen poco de aquellos en que trataba temas profanos. Sorprende la semejanza de recursos y sensibilidad existente en la Virgen, Venus o entre los Ángeles religiosos. Sus obras se distinguen por las calidades líricas de la línea y el color y por un equilibrio casi perfecto entre las figuras y los objetos. Dichas características se adquieren en su famoso cuadro El nacimiento de Venus, donde logra un obsesionante efecto circular gracias a la redondez de los hombros de la figura neoclásica central, los vestidos agitados por el viento en algunas figuras y la concha circular de la que surge Venus. Por encargo de la familia Médici, trazó las ilustraciones para la Divina Comedia de Dante, la cual ha permitido decir a Walter Pater que había sido necesario esperar al siglo XV y a la colaboración de Botticelli, para que Dante pudiera tener ilustrada tan magnífica obra. Entre sus obras destaca La Primavera.

      

La Primavera

Obra de Sandro Botticelli

Fecha ( 1477-1478 )

Cuando Sandro Botticelli realiza esta obra no es completamente consciente del furor que causará en años próximos. Lo primero que debiera llamar nuestra atención, es su enorme formato. 

La pintura profana casi nunca utilizó estas dimensiones, que se reservaban para la expresión de los temas sacros.

 Esto le confiere un carácter cristiano de un tema que a primera vista parece totalmente ajeno a las creencias religiosas. Por otro lado, puede relacionarse con otro género de la época, el tapiz. Los tapices sí tenían este gran tamaño y se dedicaban mayormente a la pintura profana, puesto que su función era decorar muros, cerrar vanos, etc. Los mejores tapices eran los flamencos, procedentes de Gante, Brujas y Bruselas, realizados en la lana de mejor calidad. Su precio en el mercado era elevadísimo, hasta el punto de que comenzó a ser sustituido por materiales más baratos, como la pintura. Esta sustitución de materiales baratos  por caros, ya había tenido lugar en el Gótico italiano, donde el elemento desplazado fue el mosaico. Reforzando el paralelismo de esta obra con el tapiz tenemos el suelo sembrado de flores, según el modelo "milflores" de tejidos flamencos y franceses. El tema del cuadro es muy complejo, abundan las figuras de la mitología clásica, pero no componen ninguna escena conocida de los textos clásicos, aunque parece seguro que se trata de una alegoría de carácter moral bajo la apariencia de la mitología antigua.

 La presencia de la diosa Flora, es lo que da nombre al cuadro, que aparece presidido por Venus y Cupido, con la presencia, ajena al resto de los personajes. 

Botticelli lo pintó para el jovencísimo Lorenzo di Pierfrancesco di Médici, miembro de la prestigiosa familia Médici. Lo encargó para él su tutor, el filósofo Marsilio Ficino, quien encarnaba el auge del Neoplatonismo florentino típico del Quattrocento. Es más que probable que fuera Ficino el diseñador de la obra, siguiendo los postulados de Alberti en la parte estética.