jueves, 7 de junio de 2012

Diego Velázquez




Diego Velázquez 
País de origen: España
Fecha: ( 1599- 1660 )


Fue el mejor pintor del barroco perteneciente al Siglo de Oro de la pintura española considerado uno de los maestros de la pintura universal.
Nació en Sevilla el 5 de junio de 1599. En esta ciudad fue donde desarrolló su estilo naturalista y  tenebrista. Fue influenciado por Caravaggio. 
Cuando tenía 24 años se mudó a Madrid para trabajar como pintor del rey Felipe IV y unos años después ascendió a pintor de cámara (pintor que realizaba las obras que encargaba la corte) a lo que se dedicó el resto de su vida. 
Viajó a Italia lo que le sirvió para profundizar en el estudio de la perspectiva y el desnudo
Ya en su segundo viaje llego a alcanzar la perfección técnica.
Murió en Madrid el 6 de agosto de 1660.

Destacó por:

1. La personalidad de sus retratos
2. El uso de la luz
3. El uso de la profundidad



Natalidad y mortalidad en España



Tasa de natalidad: 10,66 nacimientos/1.000 habitantes (2011 )

Definición: Esta variable da el número promedio anual de nacimientos durante un año por cada 1000 habitantes, también conocida como tasa bruta de natalidad. La tasa de natalidad suele ser el factor decisivo para determinar la tasa de crecimiento de la población. Depende tanto del nivel de fertilidad y de la estructura por edades de la población.

AñoTasa de natalidadPosiciónCambio PorcentualFecha de la Información
200310,08207 2003 est.
200410,12010,20 %2004 est.
200510,11980,00 %2005 est.
200610,06198-0,40 %2006 est.
20079,98194-0,80 %2007 est.
20089,87196-1,10 %2008 est.
20099,72197-1,52 %2009 est.
201010,9117912,24 %2010 est.
201110,66180-2,29 %2011 est.







Tasa de mortalidad: 8,8 muertes/1.000 habitantes ( 2011 )

Definición: Esta variable da el número medio anual de muertes durante un año por cada 1000 habitantes, también conocida como tasa bruta de mortalidad. La tasa de mortalidad, a pesar de ser sólo un indicador aproximado de la situación de mortalidad en un país, indica con precisión el impacto actual de mortalidad en el crecimiento de la población. Este indicador es significativamente afectado por la distribución por edades.

AñoTasa de mortalidadPosiciónCambio PorcentualFecha de la Información
20039,4883 2003 est.
20049,63771,58 %2004 est.
20059,63770,00 %2005 est.
20069,72750,93 %2006 est.
20079,81720,93 %2007 est.
20089,9700,92 %2008 est.
20099,99650,91 %July 2009 est.
20108,7280-12,71 %July 2010 est.
20118,8790,92 %July 2011 est.


























Zonas más densamente pobladas de la tierra




6.600 millones de habitantes es la  cifra de seres contaminantes que alberga nuestro planeta. 
Tras dos siglos de crecimiento demográfico “acelerado” la población se concentra en áreas urbanas, dando lugar a las megalópolis. Estas son las 10 ciudades mas habitadas de la tierra: 
   
1. 35.197.000 – Tokio (Japón)
2.19.411.000 – Ciudad de México (México)
3.18.718.000 – Nueva York (Estados Unidos)
4.18.333.000 – Sao Paulo (Brasil)
5.18.198.000 – Mumbai (India)
6.15.048.000 – Delhi (India)
7.14.503.000 – Shangai (China)
8.13.215.000 – Jakarca (Indonesia)
9.12.550.000 – Buenos Aires (argentina)
10.12.298.000 – Los Ángeles (Estados Unidos)

Francisco de Zurbarán



Francisco de Zurbarán 
País de origen: España
Fecha ( 1598.1664 )


Zurbarán fue un magnífico pintor de la época barroca española. Fue uno de los grandes pintores del Siglo de Oro español junto a Velázquez, Murillo, Ribera ...
A los quince años Francisco de Zurbarán se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro Díaz de Villanueva y donde conoció a Velázquez. 
Contrajo matrimonio con María Páez en 1617, y desde ese año hasta 1628 permaneció en Llerena (Extremadura). Aunque existen distintas obras realizadas por Zurbarán durante este tiempo, no se conoce ninguna que con seguridad pueda situarse en esta época y a este autor.
En 1627 pintó su primera gran obra importante firmada y datada: la Crucifixión del oratorio de la sacristía del convento dominico sevillano de San Pablo el Real, para el que en 1626 había contratado la realización de veintiún cuadros en ocho meses. Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura.
El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación el  fondo oscuro de sus cuadros subraya las principales características de este pintor.
Su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos, además sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro.



Comparación del cristo de Zurbarán con el de Velázquez



El Cristo de Zurbarán y el Cristo de Velázquez son muy parecidos pero presentan algunas diferencias:

- El fondo de la pintura de Velázquez es más claro que el de Zurbarán.
- La pintura de Zurbarán es mucho más oscura que la de Velázquez.
- Los paños que tiene Cristo en el cuadro de Zurbarán son más grandes que los de la pintura de Velázquez.
- El rostro del Cristo de Velázquez muestra más serenidad que el de Zurbarán y el de Zurbarán muestra más                  realismo
- La cruz en la que está crucificado Cristo en el cuadro de Velázquez es policromada y está recta y la del         Cristo de Zurbarán es más vieja y no está recta.
- El Cristo de Zurabarán muestra los sentimientos y la realidad mucho más que el de Velázquez.



Cristo de Velázquez
Cristo de Zúrbarán
                                     












Plaza Mayor




Plaza Mayor
Lugar: Madrid
Fecha: ( 1617-1619 )
Realizada por Juan Gómez de Mora

El trazado rectangular de esta plaza define un espacio cerrado destinado en origen a celebrar festejos y reuniones de carácter popular, función esencial de las plazas barrocas españolas.En los lados norte y sur se levantan, respectivamente, las casas de la Panadería y de la Carnicería que fueron muy importantes en esa época.
Dispone de nueve puertas de acceso, de las cuales la más conocida es la del Arco de Cuchilleros, en la esquina suroeste de la plaza.
Los orígenes de la plaza se remontan al siglo XVI, cuando en la confluencia de las calles de Toledo y Atocha, a las afueras de la villa medieval, se celebraba en este sitio el mercado principal de la villa, construyéndose en esta época una primera lonja para regular el comercio en la plaza.
Felipe II encargó el proyecto de remodelación de la plaza a Juan de Herrera, comenzándose el derribo de las casas de la antigua plaza ese mismo año. 
La construcción del primer edificio de la nueva plaza, la Casa de la Panadería, comenzó en 1590 a cargo de Diego Sillero, en el solar de la antigua lonja.
 En 1617Felipe III, encargó la finalización de las obras a Juan y se dio por terminada la Plaza Mayor.

jueves, 31 de mayo de 2012

La Conversión de San Pablo



La Conversión de San Pablo
Obra de Caravaggio
Fecha ( 1600 )

Caravaggio está representando el momento en que Pablo se cayó del caballo y tumbado sobre su espalda dirige el rostro a la luz cegadora. 
La escena carece de profundidad por la oscuridad del fondo, donde el sirviente sujeta  al caballo por las bridas. Lo que intenta representar caravaggio es la profundidad de las figuras y sus volumenes, que llenan el espacio. 
Lo consigue tanto con los  escorzos  de Pablo y la espada como  por el modelado lumínico tenebrista
Toda la composición está dentro de una cálida atmósfera dominada por los colores dorados de la parte del caballo iluminada  y los rojos de la capa  y el pectoral de Pablo. 
A la posición escorzada de Pablo se opone transversalmente la figura del caballo que  prácticamente ocupa toda la anchura del lienzo, de tal manera que la escena principal pasa a ser secundaria.
El típico realismo naturalista  de Caravaggio se aprecia en el sirviente  vestido con harapos, cara, pelo y moreno de  currante, venas fuertemente marcadas en las piernas.
 Parece que la primera versión de este tema fue rechazada por la iglesia que lo había encargado, como ocurrió muchas otras veces con las obras religiosas del pintor, por considerar que trataba de forma vulgar a las figuras religiosas. 

miércoles, 30 de mayo de 2012

Caravaggio



Caravaggio
País de origen Italia
Fecha ( 1571-1610 )

Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. 
Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco.
La época más importante para Caravaggio se iniciara en 1595 cuando es acogido bajo la protección del cardenal Francesco Maria del Monte, embajador de los Medici en Roma. Este cardenal era muy cultivado y amante de las artes, ostentando también el cargo de Prefecto de la Fabrica de San Pedro del Vaticano. Este mecenazgo se mantendrá hasta el año 1599 en el que por mediación del cardenal obtendrá el encargo para decorar la Capilla Contarelli, en San Luis de los Franceses, trabajo este que le llevara dos años.
Fue el creador de la técnica del claroscuro, que se caracterizaba por un fondo negro y la representación de figuras emergentes de la oscuridad.
Caravaggio pintó mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.
En el año 1610, cercano ya el indulto, inicia su traslado hacia Roma estableciéndose en Porto Ercole, lindante con los Estados Pontificios, con la intención de cruzar la frontera tan pronto como éste le fuera concedido. Sin embargo, allí enfermaría de malaria, muriendo de esta cuando ya se encontraba indultado por el papa.

martes, 29 de mayo de 2012

La Fontana de Trevi



La Fontana de Trevi
Obra de Bernini pero a su muerte terminada por Salvi Nicola 
Fecha ( 1732-1762 )

La Fontana de Trevi es la mayor  fuente barroca.
Está situada en el cruce de tres calles marcando el punto final del Aqua Virgo uno de los antiguos acueductos que suministraban agua a Roma. Con la supuesta ayuda de una virgen, los técnicos romanos localizaron una fuente de agua pura a sólo 22 km de la ciudad . Esta Aqua Virgo corría por el acueducto más corto de Roma directamente hasta los Baños de Agripa y fue usada durante más de cuatrocientos años. Más tarde los godos rompieron los acueductos
Los romanos medievales, ante tal desastre, tuvieron que sacar agua de pozos contaminados y del río Tíber.
En 1453, el papa Nicolás V terminó de reparar el acueducto Aqua Virgo y construyó una simple pila, diseñada por el arquitecto humanista Leon Battista Alberti, para anunciar la llegada del agua.
Una de las características destacadas de la Fontana di Trevi es el contraste entre la monumentalidad de la fuente y la estrechez de la plaza en que se encuentra: tan escondida entre callejuelas que cuesta encontrarla. Se pretende suscitar la sorpresa del turista, que queda fuertemente impresionado cuando se topa de bruces con la fuente.

La Plaza de las 4 Fuentes



Plaza de las 4 fuentes
Obra de Bernini
Fecha ( 1651 )

La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma (Italia) y fue esculpida por el escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado  de Inocencio X.
La fuente se compone de una base formada de una gran piscina elíptica, coronada en su centro con un conjunto de figuras sobre las cuales se eleva un obelisco ( Domiciano). 
La fuente representa los 4 ríos de cada uno de los continentes conocidos en la época: Danubio (Europa), Ganges (Asia), Nilo(África) y Río de la Plata (América). Coronándola, se puede ver un obelisco con grabados egipcios, rescatado del Circo de Majencio. 
La fuente presenta figuras de siete animales, además de una pequeña paloma y el emblema de los Pamphili. Entre esos animales se ecuentran: las figuras son: un caballo, una serpiente de tierra (en la parte más alta, cerca del obelisco), una serpiente de mar, un delfín (que funciona también como desagüe), un cocodrilo, un león y un dragón. Notar también la vegetación esculpida que parece real.



domingo, 27 de mayo de 2012

Éxtasis de Santa Teresa



Éxtasis de Santa Teresa
Obra de Bernini
Fecha ( 1647-1652 )

Esta obra fue encargada por la familia Cornaro para la capilla familiar en la iglesia de Santa Maria della Vittoria, coordinándose con una serie de relieves que flanquean la capilla. Esta muestra una concepción de las artes, encontrándose la Gloria Celestial pintada en dos tramos de la capilla y también decoradas las pechinas y la cúpula.
Bernini crea un grupo escultórico en mármol que  parece una composición pictórica, donde hace visible la experiencia narrada por  Santa Teresa que  aparece  en un profundo éxtasis místico con sus ojos pesadamente cerrados y su boca entreabierta, transmitiendo una sensación  entre placer y dolor.
Los profundos pliegues de la tela materializan el arrebato que la Santa está viviendo. A la izquierda, el ángel sonriente y pícaro después de introducir la flecha del amor divino en el corazón de Teresa.  
Con esta obra supo Bernini lograr unos efectos escenográficos alucinantes, irreales por la luz y el volumen y todo para plasmar el clímax de la Santa en la escultura. 
Ese efecto luminoso hace que las figuras parezcan suspendidas en el aire.
Santa Teresa está recostada sobre unas nubes y elige, como el momento preciso, el clímax emocional de la Santa,  donde se representa todo el sentimiento teatral y escenográfico del barroco.

El David de Bernini




El David
Obra de Bernini
Fecha (  1623 )


El David es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini en 1623. 
Tiene un tamaño como el de una persona y está formada con mármol. 
Pasó a formar parte de la colección de su principal mecena, el Cardenal Scipione Borghese y actualmente se expone en la Galleria Borghese.
Esta magnífica escultura representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
A pesar de la temática cristiana, esta estatua tiene un tema que pretende rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos.
Al contrario que en otras obras del artista, esta obra no presenta el mismo enfasis vertical.
El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, con los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado y en una sensación de tensión. La figura representa las características del barroco como el movimiento y la expresividad. 
La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiendose el labio inferior. Este david no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzandose para lograr sus metas.





sábado, 26 de mayo de 2012

Gian Lorenzo Bernini



Lorenzo Bernini
País de origen Italia
Fecha ( 1598-1680 )

Bernini, su carrera fue de éxitos. Sus primeras obras son de carácter clasicista, pero pronto se consagra como escultor barroco con obras que realiza para el cardenal Borghese (su principal mecenas) como El Rapto de Proserpina, Apolo y Dafne, El David…
Bernini prefiere los grupos escultóricos de formas abiertas y movidas, elige los momentos más dramáticos y expresivos de la escena que se va a representar, gestos grandilocuentes, ropajes voluminosos, al aire. 
Capta lo fugaz, lo momentáneo y utiliza la luz para lograr efectos pictóricos. Concibe las obras concretas dentro de un marco que el organiza combinando arquitectura, escultura y pintura, demostrando conocimiento de las artes escenográficas.
Introducido por Borghese en el ambiente de la iglesia romana realizará muchas obras por encargos papales. Durante este periodo sus obras más importantes se pueden agrupar en tres conjuntos; las de carácter urbano, las realizadas para la basílica de San Pedro, religiosa y funeraria y los  encargos para otras iglesias romanas como el Éxtasis de Santa Teresa. También realizó varios retratos.
Por encargo del cardenal realiza "El rapto de Proserpina", "David"  y "Apolo y Dafne", obras caracterizadas por una evolución de su estilo hacia la caracterización psicológica de los personajes, que esculpe repletos de fuerza interior, la delicadeza de los acabados la expresividad y la esculpir la realidad tal y como es.
                                                            
Apolo y Dafne            


    Rapto de Proserpina                                                                                           Apolo y Dafne   
  





jueves, 24 de mayo de 2012

Las Hilanderas



Las Hilanderas
Obra de Velázquez
Fecha ( 1657 )

Una de las obras más interesantes y enigmáticas del pintor sevillano, sobre todo en cuanto al tema, es La fábula de Aracné. 
Fue pintado en 1657 para D. Pedro de Arce, Montero del Rey, aunque en el siglo XVIII ya figura en las colecciones reales. 
En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de un tapiz. 
Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz.
 El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida. Con esta fábula, Velázquez quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesanía como la labor que realizan las mujeres en primer término.
Como en sus restantes lienzos, Velázquez ha eludido toda grandilocuencia y ha magnificado las alusiones a lo cotidiano contenidas en el mito, en este caso el ambiente cerrado y fabril del telar.
La técnica se ha hecho prodigiosamente suelta y el toque impresionista sugiere la realidad tal y como es. 
La seguridad y la maestría de Velázquez para captar lo transitorio tiene aquí, su realización más perfecta.
 El aire circula y casi se escucha el zumbar de la rueda del torno de hilar.

La Venus del espejo



La Venus del espejo
Obra de Velázquez
Fecha ( 1648 )

Es uno de los pocos desnudos de la pintura española, junto a La Maja Desnuda de Goya. Es el único que se conoce de Velázquez, aunque parece que pintó otros.
El cuadro pudo ser pintado antes del segundo viaje de Velázquez a Italia  o en Italia mismo, desde donde sería enviado a España. 
El artista creó su propia imagen de la diosa Venus, pero la idea de representarla de espaldas y con Cupido sujetando el espejo, procede de Tiziano.
Velázquez muestra fuertes contrastes de luz y sombra y elabora una textura superficial de los objetos para crear una ilusión de realidad, pero lo que realmente intenta es representar la realidad tal y como es. 
Los colores se funden unos con otros, los contornos no se destacan y los detalles son sugeridos pero no descritos. 
El reflejo de la diosa no es real, pues el espejo no puede recoger la cara de Venus desde esta posición.
 Velázquez coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Posiblemente esto provocó que una sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que apenas sí se notan.
 Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza.
En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.

domingo, 13 de mayo de 2012

Juicio Final



Juicio Final
Obra de Miguel Ángel
Fecha ( 1537-1541 )

Este magnífico cuadro fue encargado por Clemente VII a Miguel Ángel para que lo pintase en los dos frescos de la Capilla Sixtina. En la pared donde se encuentra el altar pintó el Juicio Final y en la pared de enfrente, la Resurrección. Cuando Clemente VII muere, el proyecto se ve aplazado hasta que es retomado por Paulo III. 
El tema es la segunda llegada de Cristo, la resurrección de los muertos y el juicio final, tal como lo relaciona el Apocalipsis de San Juan. Todo esto se representa en una cuadro, que tiene cerca de 400 figuras.
Cristo con la mano levantada condena a los pecadores, con su llegada toda la humanidad se pone en movimiento
Sobre él,  ángeles sin alas con los símbolos de la pasión casi como invocando venganza. Abajo, a la izquierda los muertos resucitan, los esqueletos se van desprendiendo de sus sudarios; sobre ellos los bienaventurados ascienden con esfuerzo. Más arriba sobre las nubes, se encuentran los bienaventurados que ya alcanzaron su destino antes de la redención.
En los pliegues de la piel que lleva san Bartolomé se ha querido ver un autorretrato de Miguel Angel. 
A la derecha,  los condenados se despeñan, se reconoce a dos personajes extraídos del Infierno de Dante: el rey Minos rodeado por la serpiente y a Caronte, barquero del infierno.
La  Virgen, se encuentra con un  gesto de pudor, amor y de dolor, al lado de su hijo.
En conjunto las figuras están en cuatro líneas de composición, aunque desarticuladas, apoyadas en la tierra y en nubes, otros cuerpos en vuelo en un fondo plano. 
Tras el concilio de Trento se cubrieron las desnudeces, trabajo encargado a Volterra que se ganó el mote de  il braghettone.



miércoles, 2 de mayo de 2012

Escuela de Atenas



Escuela de Atenas
Obra de Rafael Sanzio
Fecha ( 1509-1510 )

La pintura de Rafael alcanza un grado sublime en esta obra, posiblemente la más famosa. Cuando el espectador contempla el fresco se introduce en el mundo clásico y aprecia el movimiento de los diversos personajes pintados, obteniendo un insuperable resultado. Es una pintura realizada al fresco, realizada por Rafael Sanzio entre 1509 y 1510. En ella están pintados los científicos, matemáticos y filósofos más importantes de la época clásica, se encuentra en el museo del Vaticano ( Roma ). 
Fue el Papa Julio II quien escogió a Rafael como pintor para decorar la sala. Cuando realizó los frescos Rafael habia cumplido 25 años y no tenia mucha experiencia en la pintura del fresco. 
Stanze di RaffaelloLa habitación donde Rafael pintó la Escuela de Atenas era cuadrada y todas las paredes están decoradas y las ventanas estan en dos paredes. "La Disputa del Sacramento" y la "Escuela de Atenas"ocupan las dos grandes paredes lisas, estan una frente a la otra. "El Parnaso" está en una de las paredes con ventana y "las Virtudes cardinales y teologales, y la ley" en la otra.
Los personajes estan representados de forma simétrica,

en el interior de un templo de estilo romano, con grandes aberturas al exterior. La Escuela de Atenas es una sintesis de las ideas antiguas y del pensamiento cristiano del Renacimiento. El fresco simboliza la búsqueda de la verdad y el equilibrio entre la Fe y la Razón.

3 genios del Renacimiento

Leonardo da Vinci


Leonardo da Vinci
País de origen Italia
Fechas ( 1452-1519 )

Uno de los exponentes del Renacimiento es Leonardo Da Vinci, pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Fue un hombre que destacaba por su profunda pasión por el conocimiento y la investigación, principios que destacaban sus obras. Fue un claro innovador en el campo de la pintura dando lugar a la evolución del arte italiano durante mas de un siglo después de su muerte. Por otra parte, también destacó en el campo de la ciencia, sus investigaciones en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica, anticiparon muchos avances de la ciencia moderna. Nació en 1452 en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad, Leonardo está en el taller de Verrocchio en 1476. Con 20 años ya es maestro independiente, interesándose mucho por descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, continuó ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos aumentaban. En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo sus servicios a Ludovico Sforza, Duque de Milán. Allí estuvo durante 17 años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos en los que el deseo de experimentar era su principal objetivo. Esto no le impedía realizar encargos ocasionales para Florencia, que frecuentemente dejaba inacabados. Tras la invasión de Milán por las tropas francesas, regresa a Florencia para trabajar como ingeniero militar. Por estos años mejoró y perfeccionó su conocimiento de la anatomía. En Florencia recibió el encargo de decorar una sala de la Cámara del Consejo, que nunca acabó. En 1506 regresó a Milán y al año siguiente entró al servicio de Luis XIII de Francia, para quien trabajó como pintor e ingeniero. Entre 1513 y 1516 llega a Roma, pero consciente de que no puede competir con Miguel Ángel acepta la invitación de Francisco I de Francia y se traslada allí, falleciendo en el castillo de Cloux, cerca de Amboise, en 1519.

Miguel Ángel





Miguel Ángel
País de origen Italia
Fecha ( 1475-1564 )

Miguel Ángel fue un excelente pintor, escultor y arquitecto del Renacimiento. Nació en Caprese, cerca de Arezzo el 6 de marzo de 1475. Su padre Lodovico Bounarroto era "podestá" de Florencia más atrde se trasladó a Toscana, a las pocas semanas de nacer el pequeño. La madre, Francesca di Neri, confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación. Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre, en esos momentos conoce al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico Buonarroto. 
Tras algunos años de "lucha" entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer, él deseaba que su pequeño realizara una carrera administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura. 
Miguel Ángel ingresa con trece años en la "bottega", el estudio de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una corta estancia en la "bottega" este la abandona e inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo la custodia de Lorenzo "El Magnifico" y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. 
Sus primeros trabajos escultóricos se realizan en estos años bajo la protección de los Médici. 
Miguel Ángel fallece en Roma el 18 de febrero de 1564 a la edad de 89 años. Su sobrino Leonardo llevará en secreto el cadáver del genio hasta Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo, antes de ser enterrado en Santa Croce. 





Rafael


Rafael Sanzio
País de origen Italia
Fecha ( 1483-1520 )


Rafael fue un pintor y arquitecto italiano nacido en Urbino ( Roma ). Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva.
Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael tenía once años más tarde para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajabó ya como artista independiente. Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel
Entre sus obras destacan los personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos. En estos cuadros, Rafael da muestras de su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en su obra 

La bella jardinera 
En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles grutescos. 
La Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el final perfecto de su carrera como pintor. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los pictóricos, incluyeron la base de las obras de San Pedro del Vaticano. 



lunes, 30 de abril de 2012

La Gioconda ( Da Vinci )



La Gioconda
Obra de Da Vinci
Fecha ( 1503-1506 )

La Gioconda es el cuadro más famoso hoy en día. Al ser tan famoso a sufrido varios robos, le han rociado ácido y hasta le han tirado una piedra en el museo del Louvre. En 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde estaba protegida del calor, la humedad y el vandalismo. 
Parece ser que la protagonista del cuadro es Lisa Gherardini, una dama florentina casada con Francesco del Giocondo, banquero napolitano. No obstante se dicen otras posibilidades sobre quién es la protagonista del cuadro. Hay quien dice que es la española Constanza de Ávalos, y arriesgándose aún más hay quien afirma que el retratado es Francesco del Giocondo o incluso el propio Leonardo.

Una peculiaridad de la dama que aparece en el cuadro es que no tiene cejas ni pestañas. Aunque hoy en día nos extrañe, era una costumbre común entre las damas florentinas de la época, depilarse todo el vello de la cara. 
Es la última gran obra de Leonardo y de hecho estuvo retocándola hasta sus últimos días, llevándole cuatro años completar el proyecto. Se sabe que perteneció a el rey Francisco I de Francia y más tarde a Napoleón sin pertenecer en ningún momento a la familia Giocondo.
Se dice que mientras Leonardo pintaba este cuadro siempre había alguien cantando, tocando música o contándole una historia y que de esa manera consiguió la expresión placentera en el rostro de la Gioconda. 
La combinación de la "perspectiva aérea" y de la técnica del "sfumato" consiguen una estupenda sensación tridimensional y de profundidad
Esto es lo que hace de la Gioconda un magnífico cuadro.

Técnica del Sfumato

El sfumato es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía además de dar una impresión de profundidad en los cuadros. 
Los investigadores han determinado la composición y el grosor de las capas de pintura en la cara de La Mona Lisa, así como en otras  seis pinturas de Leonardo en el Louvre. Philippe Walter y sus amigos en el Centro de Investigación han descubierto que Leonardo logró una capa de esmalte marrón casi transparente encima del sonrosado de la mejillas de La Gioconda. Este esmalte marrón es un pigmento terroso de óxido de hierro oscurecido con óxido de manganeso. Estos materiales fueron muy utilizados en el Renacimiento, pero el control del espesor de la capa de pigmento que logró Leonardo es excepcional y hace de este un espectacular pintor y de su cuadro una maravillosa obra de arte.